Günther Förg
Fussen (Alemania), 1952

Estudió en la Akademie der Bildenden Künste en Munich, acudiendo a las clases de K.F. Dahmen. Vive entre Colonia y Munich. Günther Förg realizó su primera exposición, junto con otros cinco compañeros de clase, en la propia Academia de Munich y desde entonces ha realizado numerosas exposiciones en galerías y museos de todo el mundo, especialmente en Alemania. Pertenece a la generación de fotógrafos que exploran el paisaje desde distintos puntos de vista: Förg, que proviene de una tradición pictórica, dirige su mirada analítica hacia la arquitectura. Trabaja en fotografía, pintura, escultura y en instalaciones ambientales. A la fotografía, que representa reproducciones de arquitectura pertenecientes a la tradición del movimiento moderno europeo, el artista confía la reproducción del espacio social. Este espacio del que habla Förg no es una abstracción, sino el propio ambiente de la vida que el arte invita a organizar de un modo racional. Simultáneamente tradicional y contemporánea, la pintura de Günther Förg representa un comentario sobre la abstracción geométrica alemana de los años cincuenta, así como sobre el minimalismo estadounidense de la década posterior. Sus planos de color monocromo recrean con extraordinaria sutileza los campos de color de artistas estadounidenses como Barnett Newman o Mark Rothko. De todo el grupo de la “nueva objetividad” alemana, Günther Förg es el artista que más se ha alejado de los postulados de una visión fría y desapasionada. Su obra lleva a cabo una deriva entre géneros artísticos, entre las grandes imágenes, generalmente desenfocadas, de edificios de la modernidad, como Asilo d’Infanzia Sant’Elia, en Como, o la Villa Wittgenstein, de Viena, en las que reflexiona sobre el paso del tiempo y el desmoronamiento de los ideales de la modernidad; los grandes retratos en primer plano de mujeres, como Renate o Eve, en los que la frialdad característica de los alumnos de los Becher, se torna en cálida proximidad a la figura retratada; los Wandmalerei, grandes murales de color monocromo, en los que recupera la tradición muralista de la modernidad, los pequeños cuadros de planos de color vivo y definido, tanto en bronce como en madera o lienzo, en los que realiza comentarios sobre la abstracción geométrica de entreguerras; o los Bronzereliefs, bajorrelieves de bronce desnudos en los que sólo se percibe el rastro desigual de la mano del artista. Junto a otros miembros de su generación, como Thomas Ruff, Candida Höfer o Axel Hütte, Andreas Gursky o Thomas Struth, Günther Förg es uno de los artistas alemanes más apreciados en el panorama internacional del arte. Dentro del contexto de la fotografía alemana, Günther Förg es un expresionista, un artista que emplea la cámara para hacernos pensar y compartir, incluso sufrir o llorar, con las inertes superficies de los edificios que administraron un fugaz ejemplo de belleza. Y también, frente a los aspectos más celebrativos o críticos de los interiores de Candida Höfer, o la anestesia expresiva de los bloques de viviendas de Thomas Ruff, las imágenes de Günther Förg ejemplifican una deriva melancólica, un empleo de la fotografía como rescate del pasado. F. J. S. M.

Barcelona Pavillon I, 1988/1998

La obra de Förg resulta sintomática como paradigma de una actitud postmoderna. Se sitúa en un cruce de disciplinas del arte que, en cierta medida, quiere organizarse en contraposición al “concepto ampliado del Arte” de Josep Beuys, ya que reconoce que el campo de dispersión no se refiere a la realidad, sino al propio terreno del Arte. En su trabajo, pintura, escultura, relieves de bronce, pintura mural o fotografía, se articula como un sistema continuo capaz de establecer vinculaciones entre ellos y de conseguir que esta elasticidad de las fronteras provoque interferencias, discursos que hacen rebotar las ideas bajo formas diferentes.
Cuando un artista como Günther Förg aborda la fotografía no como un fin en sí misma, sino como una forma distanciada de comentar los propósitos del arte, algo sufre en la fotografía, algo queda sin expresar, como malentendido, desde la perspectiva de lo fotográfico. Me refiero, entre otras cosas, a las “imperfecciones” técnicas, esa calidad de reportaje apresurado, de paparazzi desorientado, que contrastan con un trabajo tan estructurado como las series de fotografías que documentan edificios históricos de la arquitectura moderna. Por otra parte, las imperfecciones técnicas -prácticamente toda la historia de la fotografía se encuentra ocupada por errores e imprevisiones- remiten a una visualidad real, próxima al individuo, al paseante, distanciada de la perfección publicitaria. “No me preocupo, como los fotógrafos profesionales, del enfoque o de la adecuación del color. Mis fotos tienen una corporeidad particular que surge de mi forma de encuadrarlas. Mirándolas se tiene la impresión de una presencia, eso que en una fotografía normal no sucede nunca”.
Su trabajo en el Pabellón de Mies van der Rohe destaca por la claridad geométrica con la que intenta sintonizar con las ideas constructivas del arquitecto, haciendo de las alargadas imágenes un continente en el que destaca la limpieza de las líneas y las direcciones de la construcción. Especialmente en Pavillon I, más que el ambiente espacial del pequeño edificio, la visión de Günther Förg se ha centrado en describir ciertos detalles significativos de la arquitectura en una operación retórica en la que una parte representaría la estructura del conjunto. F. J. S. M.

FICHA TÉCNICA, EXPOSICIONES Y REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Barcelona Pavillon I, 1988-1998
Color, 264,7 x 115 cm, Adquisición: Marzo de 2003, Procedencia: Bärbel Grässlin Gallery, Frankfurt (Alemania), Firmada, titulada, numerada y fechada en el reverso.

EXPOSICIONES 1999-2000 ARKEN Museum for Moderne Kunst, Ishoj (Dinamarca) 1998-1999 Palacio de Velázquez y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (España) / IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno, Centro del Carme, Valencia (España).

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS To be and not to be, Generalitat de Catalunya, Departament de Cultura, Catálogo Barcelona, 1990, p. sin numerar (il. c. de otra fotografía de la serie) — Günther Förg: painting, sculpture, installation, Newport Harbour Museum, Catálogo Newport, 1989, pp. 103-111 (ils. c. de otras fotografías de la serie) — Günther Förg, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Catálogo Madrid, 1998, p. 74 .

Barcelona Pavillon II, 1988/1998

En estas imágenes del Pabellón de Barcelona de Mies van der Rohe, realizadas entre 1988 y 1998, es decir, antes y después de la restauración del edificio que representó a Alemania en la Feria Universal de 1929 en Barcelona, la altura del suelo y la profundidad de la imagen se encuentran premeditadas en función de una instalación concreta. Además de los elementos puramente formales que participan de esta instalación -grandes paneles monocromos, altura del techo, dimensiones de la sala- esta idea de instalar monumentos del pasado reciente tiene que ver con una invitación a vivir el tiempo presente, a actualizarlo a través del esfuerzo de un artista que trabaja como interlocutor del pasado.
A pesar de su evidente similitud, ambas imágenes del Pabellón son radicalmente diferentes en cuanto a la concepción de la imagen. En la obra anterior Pavillon I, con una toma violentamente escorada de las columnas, llena la imagen entera con el recorrido dinámico de la perspectiva; mientras que en este Pavillon II parece ofrecer una visión del vacío, situando el centro de la imagen en un ámbito deshabitado. A pesar de ello, ambas imágenes tienen, cuando las colocamos juntas, una misma estructura compositiva: un centro de gravedad desplazado a la derecha, donde la forzada perspectiva del ventanal conduce aceleradamente hacia el fondo de la imagen. También la proporción de suelo, techo y pared es similar, de manera que la línea del pavimento divide la imagen en dos.
En sus pequeñas pinturas de planos de color, en sus fotografías descuidadas e intensas de edificaciones modernas y en sus grandes instalaciones de color arquitectónico y aún, de forma menos clara, en sus epidérmicos relieves de bronce, Günther Förg aborda un único tema: la convivencia entre los desastres de la historia y el esplendor siempre actualizado del arte; el contraste -que él quiere suavizar- entre la ruina de la modernidad y la capacidad de autorregeneración de la actividad artística. Las instalaciones en las que el artista yuxtapone grandes planos de color junto a fotografías de ruinas modernas, no se balancean del lado de la melancolía, como quizás sí lo hacían alguna de sus tomas de la Bauhaus de Dessau restaurada, sino que por el contrario hablan de una convivencia que es actualidad, un rescate que es energía renovada. F. J. S. M.

FICHA TÉCNICA, EXPOSICIONES Y REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Barcelona Pavillon II, 1988-1998
Color, Dimensiones: 264,7 x 115 cm, Adquisición: Marzo de 2003, Procedencia: Bärbel Grässlin Gallery, Frankfurt (Alemania), Firmada, titulada, numerada y fechada en el reverso.

EXPOSICIONES 1999-2000 ARKEN Museum for Moderne Kunst, Ishoj (Dinamarca) 1998-1999 Palacio de Velázquez y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (España) / IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia (España) / Centro del Carme, Valencia (España) .

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS To be and not to be, Generalitat de Catalunya, Departament de Cultura, Catálogo Barcelona, 1990, p. sin numerar (il. c. de otra fotografía de la serie) — Günther Förg: painting, sculpture, installation, Newport Harbour Museum, Catálogo Newport, 1989, pp. 103-111 (ils. c. de otras fotografías de la serie) — Günther Förg, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Catálogo Madrid, 1998, p. 76.